Positivando

La profundidad de campo en la fotografía

Andrés — Sun, 09 Oct 2011 12:14:02 +0000

La profundidad de campo es una de las propiedades de imprescindible conocimiento para un fotógrafo. Dominarla significa componer mejor, hacer que la atención del espectador se centre exactamente dónde nosotros deseamos.

¿ Qué es la profundidad de campo ?

Podemos definir la profundidad de campo como la zona determinada por distancia existente entre el punto más cercano y el punto más lejano a nuestro objetivo que aparece suficientemente nítida en nuestras fotografías.

Para hacernos un esquema mental más claro, y dando por hecho que la zona más nítida de nuestra fotografía es aquella dónde situamos el foco del objetivo, podemos dividir la zona de la que hablamos en otras dos zonas: la zona de la imagen suficientemente nítida entre nuestro objetivo y nuestro punto de interés, y la zona con suficiente nitidez situada tras nuestro punto de interés.

¿ Para que sirve la profundidad de campo ?

Una vez que tenemos claro que es la profundidad de campo, lo siguiente que debemos saber es para qué nos sirve, y la respuesta a esta pregunta es tan sencilla como importante: para componer nuestras fotografías.

Cuando observamos una fotografía, nuestra mente dirige nuestra mirada hacia los elementos más enfocados que hay en ella, fijando así nuestro interés.

Sabiendo esto, podemos utilizar por ejemplo, una profundidad de campo muy pequeña al fotografiar a alguien para separarlo del resto de los elementos de la fotografía, como en la siguiente imagen:

O si por el contrario queremos inmortalizar un paisaje en el que todo aparezca bien nítido utilizaremos una profundidad de campo suficientemente amplia:

Factores que intervienen en la profundidad de campo

Son varios los factores que intervienen para determinar la profundidad de campo, así que deberemos tenerlos todos en cuenta si queremos dominar este conepto a la perfección.

1. La apertura de la toma

El número f que seleccionemos en nuestro objetivo a la hora de realizar la fotografía será clave para determinar la profundidad de campo que obtendremos como resultado.

A mayor apertura (menor número f), menor será la profundidad de campo.
A menor apertura (mayor número f), mayor será la profundidad de campo.

Es decir, en condiciones iguales, una toma a f1.4 tendrá mucha menos profundidad de campo que una toma a f8.

2. La distancia al sujeto

La distancia al sujeto fotografiado es otro de los puntos claves para controlar la profundidad de campo.

Cuanto menor sea la distancia entre nuestro objetivo y el sujeto fotografiado, menor será la profundidad de campo.
Cuanta mayor sea la distancia entre nuestro objetivo y el sujeto fotografiado, mayor será la profundidad de campo.

Con lo cual, si nuestro sujeto se encuentra a 1 metro de nuestra posición, la profundidad de campo será menor que si el sujeto se encuentra a 15 metros.

3. La distancia focal de nuestro objetivo

El tercer aspecto que determinará la profundidad de campo en nuestras fotografías será la distancia focal de nuestro objetivo utilizada durante la toma.

Cuanto mayor sea la distancia focal utilizada para la toma, menor será la profundidad de campo.
Cuanto menor sea la distancia focal utilizada para la toma, mayor será la profundidad de campo.

Así que teniendo esto en cuenta, si tomamos una fotografía con un objetivo con distancia focal 200mm., la profundidad de campo será mucho menor que si tomamos una fotografía con un objetivo con una distancia focal de 50mm.

4. El tamaño del sensor de nuestra cámara

El último de los factores que intervienen en la profundidad de campo es el tamaño del sensor de nuestra cámara.

Cuanto menor sea el sensor de nuestra cámara, menor será la profundidad de campo.
Cuanto mayor sea el sensor de nuestra cámara, mayor será la profundidad de campo.

Por ello si disparamos con una cámara de formato completo, o full frame, nuestra profundidad de campo será mayor que disparamos con una cámara con un sensor de tamaño APS-C.

Tablas de profundidad de campo

Siempre es muy útil tener una tabla de profundidades de campo a mano cuando estamos fotografiando. A continuación os dejo una que os servirá para haceros una idea de como son.

Teniendo en cuenta la gran cantidad de posibilidades existentes al combinar el tamaño del sensor, la apertura, la distancia al sujeto y la distancia foca, os he dejado una tabla para un objetivo de 50mm. montado sobre una Nikon D700 de sensor completo, en la que se muestra como varía la profundidad de campo en función de la apertura y la distancia al sujeto.

Podéis conseguir vuestras propias tablas en DofMaster.

Nikon D700 + Lente de 50 mm
Apertura	f/1.4		f/2.8		f/5.6		f/8		f/11		f/16
Distancia	Del.	Detr.	Del.	Detr.	Del.	Detr.	Del.	Detr.	Del.	Detr.	Del.	Detr.
0.25	0.25	0.25	0.25	0.25	0.25	0.25	0.25	0.25	0.24	0.26	0.24	0.26
0.5	0.50	0.50	0.49	0.51	0.49	0.52	0.48	0.52	0.47	0.53	0.46	0.55
0.75	0.74	0.76	0.73	0.77	0.72	0.79	0.70	0.80	0.68	0.83	0.66	0.87
1	0.98	1.02	0.97	1.03	0.94	1.07	0.92	1.10	0.89	1.15	0.85	1.22
1.5	1.46	1.54	1.43	1.58	1.37	1.66	1.32	1.74	1.25	1.87	1.17	2.08
2	1.94	2.07	1.88	2.14	1.77	2.31	1.68	2.46	1.58	2.72	1.46	3.20
2.5	2.40	2.61	2.31	2.73	2.14	3.00	2.02	3.27	1.88	3.75	1.70	4.72
3	2.86	3.16	2.73	3.33	2.50	3.75	2.34	4.19	2.14	5.00	1.92	6.92
3.5	3.31	3.72	3.13	3.96	2.84	4.57	2.63	5.23	2.38	6.58	2.11	10.4
4	3.75	4.29	3.53	4.62	3.15	5.47	2.90	6.44	2.60	8.63	2.27	16.6
4.5	4.18	4.87	3.91	5.30	3.46	6.45	3.15	7.86	2.81	11.4	2.43	30.9
5	4.61	5.46	4.28	6.01	3.74	7.53	3.39	9.53	2.99	15.2	2.56	101
5.5	5.03	6.06	4.64	6.75	4.01	8.73	3.61	11.5	3.16	21.1	2.69	∞
6	5.45	6.67	4.99	7.52	4.27	10.1	3.82	14.0	3.32	31.2	2.80	∞
8	7.05	9.25	6.30	11.0	5.20	17.4	4.54	33.8	3.85	∞	3.17	∞
10	8.56	12.0	7.48	15.1	5.97	30.8	5.11	223	4.25	∞	3.44	∞
15	12.0	20.1	9.95	30.5	7.44	∞	6.16	∞	4.95	∞	3.88	∞
20	14.9	30.2	11.9	62	8.50	∞	6.86	∞	5.39	∞	4.14	∞
30	19.9	61	14.9	∞	9.89	∞	7.74	∞	5.92	∞	4.44	∞
50	27.1	328	18.6	∞	11.4	∞	8.63	∞	6.43	∞	4.72	∞
∞	59	∞	29.5	∞	14.8	∞	10.5	∞	7.42	∞	5.26	∞

Calculadoras de profundidad de campo

También os dejo algunos enlaces a calculadoras de profundidad de campo que considero que son muy interesante. Si alguien me recomienda alguna para otro tipo de teléfonos como pueden ser basados en Android o Symbian sería de agradecer.

Botón de profundidad de campo

Por último, me gustaría comentaros a los más novatos que la gran mayoría de reflex digitales actuales disponen de un botón de profundidad de campo.

Su utilidad es poder visualizar a través del visor cual será el resultado final de la toma con la apertura seleccionada antes de disparar. Aunque la gran mayoría de los fotógrafos que conozco revisan la profundidad una vez tomada la foto en la pantalla de la cámara, nunca está de más echarle un vistazo al manual de vuestro equipo para que sepáis como funciona.

Blog: Cienojos sobre la fotografía

Andrés — Thu, 28 Jul 2011 21:00:57 +0000

Hace unos cuantos meses me topé con este interesante blog cuando andaba dando vueltas por la red. La verdad que me gustó y fue directamente a mi lector de noticias.

Pues aprovechando que hace poco han realizado una remodelación, os dejo este enlace para que vosotros lo conozcais.

Y para que conozcais un poco más sobre este magnífico espacio, os dejo unas palabras de su propia autora “Cienojos es una asociación sin ánimo de lucro que nació en Murcia en 2011 con el objetivo de crear e impulsar proyectos relacionados con la fotografía y la imagen. Este blog, creado en 2007 por Mónica Lozano, fue el origen de todo y hoy es nuestro corazón. En él publicamos lo que nos interesa y nos apasiona y todas las actividades que hacemos.”.

Libros de fotografía: Fotografía y retoque del rostro y el cuerpo desnudo

Andrés — Thu, 14 Jul 2011 19:11:31 +0000

Si sois seguidores de este blog seguro que en algún momento habréis leído la pasión que siento por la fotografía de retratos, así que cualquier excusa es buena para aprender un poquito más sobre este bello arte, y más aún si se trata de un libro.

“Fotografía y retoque del rostro y el cuerpo desnudo” es un libro ameno, sencillo de leer, que anda muy lejos de los aspectos técnicos más complicados de la fotografía. A lo largo de sus más de 350 páginas, los autores, Kay Michael Kuhnlein y Harald Heim, hacen un recorrido por todos los aspectos que necesitamos tener en cuenta si queremos convertirnos en fotógrafos de retrato, moda o desnudos.

El contenido

A pesar del título, el libro se centra mucho más en el desnudo que en retrato, aunque la mayor parte del contenido puede ser extrapolado a éste último. Está dividido en quince capítulos, cada uno de los cuales se encuentra subdividido en varios apartados menores. Por norma general estas subdivisiones suelen ser bastante cortas, por lo que nunca tendremos la sensación de pesadez que a veces provocan los capítulos extensos.

El libro está muy bien ilustrado con una gran cantidad de imágenes de tamaños variados. Estas imágenes decoran las lecciones que nos dan los autores ejemplificando perfectamente sus palabras. Como nota, decir que estas ilustraciones son casi exclusivamente de modelos femeninas.

Tal y como se deja leer en su contraportada, el contenido es de un nivel “Básico/Medio”, cualquier fotógrafo aficionado con un poco de experiencia no tendrá problema alguno en comprender a la primera cualquiera de las lecciones. Para el aficionado un poco más avanzado esto quizás le sepa a poco.

A continuación os dejo el índice del libro para que tengáis una idea mucho más exacta de lo que os podréis encontrar en él:

1.- La fascinación por la fotografía digital de desnudos y retratos
- Fotografía de retratos
- Fotografía de desnudos
- El modelo y usted
- En el estudio o al aire libre
- Photoshop y el retoque fotográfico, ¿ sí o no ?
2.- El equipo
- La cámara y los objetivos
- ¿ Raw o JPEG ?
- Hardware y software
- Luz Solar
- ¿ Iluminación de interior o lámparas de descarga ?
- ¿ Flash compacto o flash de estudio ?
- El uso del flash de estudio
3.- Los conceptos visuales y su ejecución
- ¿ Planificar o improvisar ?
- La búsqueda de ideas
- El estilo de los retratos
- Las instantáneas
- La fotografía callejera
- Glamour
- El estilo de los desnudos
  - El desnudo clásico
  - El estilo pin-up
  - El erotísmo
  - La pornografía
- Los escenarios
  - Interiores y exteriores
  - En exteriores
  - La integración de arquitectura y paisaje
  - En interiores
- Su salón como estudio fotográfico
- El estudio fotográfico profesional
- Accesorios, complementos y fondo
  - Fotos sin “complementos”
  - Los accesorios
  - Los complementos
  - Los fondos
4.- El modelo
- Conocidos y amigos como modelos
- Buscar modelos en Internet
- Modelos aficionados y modelos profesionales
- El contrato y la remuneración
- TFP
- Fotos comerciales
- Maquillaje y estilismo
- El maquillaje ¿profesional o no profesional?
- Dónde encontrar una maquilladora
- La alternativa: El maquillaje digital
- Preparación para la sesión de fotos
- ¿ Agobiar de inmediato a la modelo con indicaciones o … ?
- Comuníquese con el modelo, dele instrucciones comprensibles
- Algunas veces tendrá que improvisar
5.- Las poses y las expresiones
- Olvídese de los catálogos de poses
- ¿Copiar o crear?
- Las poses
- La expresión facial
- El modo de trabajo
- Ayuda a la hora de posar
- Trabajar con dos modelos
- Los movimientos naturales en lugar de las poses
- No hay un método patentado
6.- La luz
- El reto de la luz solar
- Las fuentes de luz en el estudio
- La orientación de la luz
- La disposición de las luces
- Variantes de luz
- Los filtros de color y los bloqueadores de luz
- Reconocer la orientación de la luz
- Errores de principiante que se pueden evitar
7.- La configuración de la cámara
- La luz continua
- La luz mixta
- La configuración manual
- La luz de flash de estudio
- Determinar la apertura con fotómetro
- Determinar la apertura sin fotómetro
- La profundidad de campo y el enfoque
8.- La composición de la imagen
- El encuadre
- La perspectiva
- ¿ Blanco y negro o color ?
- Elegir las imágenes
- Errores de principiante que se pueden evitar
9.- Los profesionales y su trabajo “vistos de cerca”
- Un día con el “fotógrafo estrella” Stefan Gesell
  - Negociaciones preliminares con conocimientos importantes
  - ¿ Improvisar o planear ?
  - Los modelos
  - Las tomas
  - El acabado con Photoshop
  - ¿ Quiere aprender de Stefan Gesell ?
  - Nosotros preguntamos, Stefan Gesell responde
- La fotografía en exteriores con Krolop & Gerst
  - El equipo y la configuración
  - La modelo
  - Comentarios
- La fotografía en interiores con Tom Rider
  - La sesión
  - Disposición de la luz
  - El credo de Tom Rider
  - Conclusión
10.- Otros puntos importantes a tener en cuenta para obtener una buena foto
- Mantenga su vista en la realidad
- Las tendencias y el ideal de belleza
- ¿ Somos todos guapos ?
- La edición digital ¿sí o no?
11.- Técnicas de photoshop
- Abrir archivos JPEG en Camera Raw
- El equilibrio de blancos
- El Equilibrio de blancos en Camera Raw
- Edición rápida en Photoshop
- Luz digital con el uso del degradado
- Capas y máscaras
- Simular un reflector o un flash de relleno
- Destacar los elementos con viñetas
- Viñeteo avanzado
- La viñeta como máscara de capa
12.- El retoque fotográfico
- Corregir detalles con el pincel corrector
- Suavizar las manchas y las sombras
- Alisar la piel
- Recuperar la estructura de la piel
- Modelar con luz y sombras
- Editar los detalles
- Tono de la piel y luminosidad
- Retocar el cuerpo
13.- Efectos con photoshop y plugins
- De color a blanco y negro
- Imagen en blanco y negro con capa de ajuste
- Utilizar la función Blanco y negro en CS5
- Buenos ayudantes: Plugins para la conversión a blanco y negro
- Colorear imágenes monocromas
- La Color key como reclamo visual
- Fotos en clave alta con Photoshop y un plugin
- Con “Mystical Tint Tone and Color 2.0″
- Utilizar el grano de la película como recurso estilístico
- Pintar y dibujar
- Snap Art 2
- Dynamic Auto Painter
- Efectos especiales con plugins
- Plugin Galaxy 2.0
- Auto FX Dreamsuite Series One y Series Two
- Auto FX Photo/Graphic Edges 7.0
- Color Efex Pro 3.0 Complete
14.- Montaje y composición
- Montaje a partir del rostro y de la pose
- La composición frontal
- Un ejemplo de composicióncompleja
- Las seis reglas de la composición de fondo
- Montaje con un fondo sencillo
- Añadir una textura para el suelo
- Disposición de la composición
- Seleccionar con una máscara en escala de grises
- Conclusión
15.- La presentación de sus fotografías
- Mostrar las fotos en comunidades virtuales
- Su propia página Web para sus fotos
- Imprimir fotografías
- Su foto en un lienzo
- El fotolibro
- Muestre sus fotos en exposiciones
- Cómo ganar dinero con sus fotografías
- Aceptar las críticas
Apéndice.- Fotógrafos y autores
- Stefan Gesell
- Gero Gröschel
- Günter Hagedorn
- Dirk Hennig
- Us Karlomy
- Krolop & Gerst
- Silvia Kuhnlein
- Leoncool
- Karl Louis
- Melancholie
- Tom Rider
- Jörg Riethausen
- Erwin Schnabel
- Dirk Schönfeldt
- Harald Heim
- Kay Michael Kuhnlein

Presentación

El libro se presenta en un formato aproximado de 184×240 mm. con tapas blandas. Este tamaño es suficiente para apreciar las fotografías, sobre todo las que aparecen a página completa.

La impresión me resulta muy agradable, y el papel tiene un tacto de calidad, cosa que se agradece tratándose de un libro de fotografía.

Con el libro también se adjunta un cd en el que podremos encontrar varios plugins (la mayoría de ellos en versión de evaluación) y muchas de las fotografías que previamente hemos visto impresas. Esta idea me resulta especialmente agradable puesto que así podremos aplicar las lecciones aprendidas relacionadas con la edición digital, aunque si os soy sincero todavía no he tenido tiempo de ello.

Conclusión

Nos encontramos ante un libro ameno con un nivel bastante sencillo. Esto puede resultar algo decepcionante para el fotógrafo aficionado con bastante experiencia, pero sin duda será muy apreciado por el fotógrafo más novel.

En cualquier caso es una buena guía, pues nos conduce por un recorrido dónde se tratan la mayoría de los aspectos a tener en cuenta para los retratos y los desnudos, aunque ninguno de ellos se tratará en profundidad.

La regla del horizonte en la fotografía

Andrés — Sun, 03 Jul 2011 17:59:43 +0000

Un día más seguimos escribiendo sobre las reglas de oro de la composición en la fotografía, hoy le toca el turno a la regla del horizonte.

Al igual que el resto de las reglas de oro de la fotografía, la regla del horizonte es una regla muy sencilla de aplicar y que guarda mucha similitud con la regla de los tercios que ya vimos en su día.

De forma similar a la regla de los tercios, la regla del horizonte divide la imágen trazando dos líneas imaginarias horizontales que dividen la imagen en tres partes exactamente iguales, y nos dice que coloquemos el horizonte de manera que coincida con una de estas líneas.

Dependiendo si nos interesa realzar la parte supeior o inferior de la imágen, colocaremos el horizonte en la línea imaginaria superior o en la inferior, consiguiendo así el efecto deseado.

Otro aspecto muy importante a tener en cuenta que que esta regla funciona tanto en fotografías verticales como horizontales, y que, unque a priori parezca que es sólo aplicable a escenas en las que se aprecia un horizonte bien definido, nada más lejos de la realidad. Esta regla puede ser aplicada en cualquier situación en la que la imagen se vea cláramente dividida horizontalmente por cualquier tipo de línea.

La regla de la dirección en la fotografía

Andrés — Tue, 24 May 2011 20:26:38 +0000

Para seguir el hilo iniciado con la publicación anterior, hoy nos centraremos en la regla de la direccion, que es otra de las reglas de oro de la fotografia.

Muy similar a la regla de la mirada que ya vimos en la entrada anterior, se basa en el mismo principio, y dice algo asi: cualquier persona, animal u objeto en el punto de interés de nuestra fotografía que suscite cierto movimiento en el espacio debe tener mas aire hacia el lado donde se dirige que al contrario.

Recordad que el termino aire se utiliza para referirnos a espacio libre, y su uso no es literal.

Al igual que con la mirada, este tipo de situaciones crea una linea imaginaria en nuestro cerebro que podremos utilizar para incrementar la fuerza de nuestra fotografia.

Para despedirme quería darle las gracias a un gran fotógrafo y mejor amigo, Chano Ramírez, por haberme permitido utilizar la foto que encabeza este artículo. Si sois visitante habituales de positivando seguro que habréis visto alguno de sus comentario. Podéis ver su trabajo en su cuenta de flickr.

La regla de la mirada

Andrés — Tue, 17 May 2011 20:13:12 +0000

La regla de la mirada es otra de las reglas de oro de la composición fotográfica, y es una regla realmente
sencilla de aplicar.

No cabe duda de que en cualquier retrato la mirada es uno de los aspectos claves a tener cuenta, tanto es así que
que una mirada adecuada puede añadir muchísima fuerza a las fotografías de personas. Esta fuerza debe ser
aprovechada por el fotógrafo de la mejor manera posible, y esta regla nos ayuda en esta labor.

La regla de la mirada nos dice que cualquier persona, animal u objeto que sea el punto de interés de
nuestra fotografía debe tener mas espacio libre hacia el lado donde se dirige su mirada que al contrario.
A ese espacio libre se le denomina aire. De esta manera reforzaremos la
línea imaginaria que traza su mirada en el encuadre añadiendo interés sobre ella.

Fotógrafos: Chema Madoz

Andrés — Fri, 06 May 2011 21:33:54 +0000

Pocos aficionados a la fotografía son los que todavía no conocen a este gran mestro. Para definir su trabajo creo que las mejores palabras son “poesía visual”, y es que sus fotografías tienen tanto significa o más que muchas obras escritas.

La verdad es que no tengo mucho que contar sobre Chema Madoz, creo que ya se ha escrito mucho y muy bien sobre él. Como opinión personal, creo que es un fotógrafo con un gran ingenio, su mirada tan peculiar encuentra siempre en los objetos más cotidianos la forma de sorprendernos. Esa manera tan hábil de jugar con conceptos y significados en escenas tan simples es realmente única.

Como dato a recalcar, simplemente mencionaros que es ganador de concursos tan prestigiosos como el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura, Premio Higasikawa en Japon o Premio PhotoEspaña.

Y como de costumbre unos pocos enlaces para que poais conocer algo más sobre él:

Luz Clave, Luz de Relleno y Contraluz

Andrés — Tue, 26 Apr 2011 23:07:22 +0000

La luz clave, la luz de relleno y la luz de contra, tres luces que combinándolas adecuadamente nos permitirán salir airosos de multitud de situaciones mediante la implementación de un esquema de iluminación tan básico como efectivo.

La iluminación ha sido un tema recurrente en este blog. Hemos escrito sobre Iluminación y fotografía, introducción, Dirección de la luz y Calidad de la luz. Posteriormente hemos tratado en varios artículos la teoría sobre los flashes introducción al flash en la fotografía, el flash, la luz y la distancia al sujeto y el flash y el número guía.

En esta ocasión aplicaremos un enfoque mucho más práctico, combinando la teoría con un esquema de iluminación conocido como “iluminación de tres puntos“. De esta manera, comprobaremos lo sencillo que es producir una iluminación adecuada para nuestras fotografías.

Luz clave o luz principal

Como su propio nombre indica es la luz principal. Será la luz en la que se basará el resto de la iluminación, y como tal será la de mayor importancia, definiendo vagamente el aspecto final de la fotografía. Suele ser habitual que esta luz sea la más intensa que intervendrá en nuestro esquema, y en ocasiones puede provenir de fuentes de luz del entorno como el sol.

La calidad de la luz que utilicemos: luz suave o luz dura, su dirección: frontal, lateral, cenital o trasera o su intensidad, dependerá la sensación que queramos transmitir en nuestras fotografías.

Por norma general, cuando el esquema de iluminación es para un retrato utilizaremos una luz lateral formando un ángulo de 45º entre la cámara y el sujeto. También intentaremos situarla ligeramente elevada, pues nuestro cerebro está bien habituado a ello. Si ésta luz, además, es una luz suave, nos proporcionará suficiente detalle sin producir sombras excesivamente duras.

A continuación os dejo una fotografía de cómo quedó iluminada nuestra bonita figura únicamente con la luz principal que hemos elegido.

Luz de relleno

El nombre de esta luz también es bien descriptivo. La utilizaremos como contrapunto a la luz principal para evitar sobras provocadas por la luz principal y así obtener mayor detalle de las zonas menos iluminadas.

Teniendo en cuenta cuál es su función, lo ideal es que sea una luz suave, menos intensa que la luz clave, y que esté colocada formando un ángulo de 90º con la luz principal. También suele ser buena idea, colocarla a una altura inferior a la altura de la luz principal, pues así cumplirá mejor su función.

El contraste creado entre la luz principal y la luz de relleno, imprimirá gran parte del carácter de nuestra fotografía. Dependiendo de nuestro objetivo, podremos utilizar distintos contrastes: 1/2, 1/4, 1/8, etc. No hay una regla universal al respecto.

A continuación veremos de lo que os hablo, tras mostraros la misma imagen ahora con nuestra luz de relleno.

Luz de contra o contraluz

Esta luz la utilizaremos para separar a nuestro sujeto del fondo. Para este propósito suele ser muy habitual emplear una luz dura, que de un contrate lo suficientemente marcado como para cumplir su tarea, produciendo así un “borde” sobre la superficie que ilumina.

A continuación os dejo una fotografía de la luz de contra en solitario para que veáis mejor su propósito.

La iluminación de tres puntos

En este momento ya sabes todo lo necesario para implementar este esquema de iluminación, ¿ ha sido sencillo verdad ? Espero que los que hayáis seguido los artículos anteriores relacionados con la iluminación sepáis apreciar su importancia, pues conociendo la teoría podremos modificar la luz a nuestro antojo para obtener grandes resultados.

En este caso, el resultado de sumar las tres luces ha sido el siguiente:

Y el pequeño estudio improvisado que tuve que montar en casa para hacerlo:

A continuación, compararemos este “detrás de la escena” con lo arriba expuesto:

Luz principal: es la softbox que softbox que aparece en la parte superior izquierda de la foto, en ella disparé un flash Vivitar 285HV a 1/4 de potencia. Se encontraba a una distancia aproximada de 1.5 metros.
Luz de relleno: como ando algo escaso de flashes, utilicé una plancha blanca de poliuretano, reflejando la luz que emitían la luz principal y la luz de contra, realizando la función a la perfección.
Luz de contra: flash Vivitar 285HV a 1/16 de potencia. Se encontraba desnudo tras la muñeca, a menos de un metro de ella.

En cuanto a la postproducción, lleva una edición mínima de niveles en Lightroom, con un pequeño degradado pues el lado izquierdo de la fotografía había quedado demasiado claro.

Esto ha sido todo por hoy. Espero que el artículo os haya gustado y entretenido, además de haberos enseñado algo.

Fotógrafos: Calvin Dexter

Andrés — Wed, 13 Apr 2011 18:47:47 +0000

Desde que vi las fotografías de Calvin Dexter me enamoré de ella. Esa mezcla de naturalidad y sensualidad a partes iguales llamó mi atención rápidamente. Sus suaves bokeh y sus tonos cálidos son otros aspectos que también me llamaron mucho la atención.

Así que decidí ponerme en contacto con el para proponerle este pequeño artículo, y realmente me sorprendió cuanto se ilusionó y comprometió desde el primer momento. A continuación os dejo lo que me contó de su propio puño y letra:

Nací en la década de los 70 en un pueblo pequeño cerca de Barcelona. Y aunque he vivido largas temporadas en otros países como Estados Unidos, Dinamarca y Tailandia, actualmente vivo en el pueblo que me vio nacer. Y la verdad es que no se está nada mal. Aunque sigo soñando que me llaman de alguna agencia de Nueva York y me subo al primer avión que sale…

Desde pequeño siempre me interesó todo lo relacionado con “contar historias”, “explicar cuentos”… es decir, la narrativa.

Recuerdo que solía sentarme con una libreta y un lápiz y empezaba a escribir alguna historia fantástica. Al poco rato pensaba que a las palabras les iría bien algo de imagen y entonces me ponía a dibujar los personajes de mis historias… pero luego echaba de menos el movimiento y la música… así que guardaba lo que había escrito y dibujado y pensaba que cuando fuera mayor haría una película sobre esa historia. A día de hoy, sigo conservando todas las libretas que llené con palabras y dibujos por si algún día me apetece recuperar algunos de esos “cuentos”.

En el fondo, lo que me apetecía era contar y compartir las historias que se me ocurrían a menudo. Y nunca llegué a imaginar que sería la fotografía la que me permitiría contar algunas de mis historias.

Aunque al final no he llegado a ser director de cine como siempre había soñado, eso no evitó que pasara por la universidad de cine ESCAC de Barcelona (actualmente está en Terrassa, creo) y que me licenciara como Traductor e Intérprete por la universidad de Vic.

Durante el verano de 2008 estaba trabajando para la revista online de fotografía WWW.QUESABESDE.COM. Aunque mis funciones allí no tenían nada que ver con la sección de fotografía, me pasaba todo el día escuchando palabras como “réflex”, “obturador”, “full frame”, “objetivo”, “factor de multiplicación”, “Leica”, “Canon”, “Nikon”… y demás jerga fotográfica totalmente incomprensible para mi. Pero eso empezó a despertarme cierta curiosidad hasta que un día estando en un centro comercial vi una Canon EOS 450D que tenía toda la pinta de ser una “réflex” de esas sobre las que todo el día oía elogios… y me decidí a comprarla. No sabía muy bien para qué la quería ni cómo funcionaba, pero la compré… y me cambió la vida.

Lo primero que me llamó la atención fue que con esta cámara se tenía que mirar por el visor y no por la pantalla. Pensé “vaya mierda me he comprado”… y recuerdo que un compañero de trabajo me comentó que solo por ese hecho gente como yo no debía comprarse nunca una réflex. Me acostumbré a mirar por el visor y la verdad es que si ahora tengo que usar una cámara con la que solo puedo encuadrar mediante la pantalla LCD posterior… me pongo de los nervios y me cabreo.

Comencé haciendo las típicas fotos que todo el mundo hace: flores, calles, coches… y me aburría sobremanera. Odiaba hacer fotos de cosas “muertas”.

Entonces un día un amigo que se había pasado horas y horas en el gimnasio me pidió que le hiciera unas cuantas fotos para el recuerdo ya que no nunca volvería a estar tan “cachas” como en ese momento. Se las hice y me lo pasé genial. Descubrí que si en mis fotos no había “alguien”, éstas estaban vacías.

Entonces me interesé por la fotografía de retratos y “moda”. Y fue entonces que descubrí a dos fotógrafos que me mostraron que se podían hacer auténticas maravillas y locuras con una cámara. Los fotógrafos son Akif Hakan Celebi y el famoso y macarra Terry Richardson. Cuando vi las fotos que estos dos genios (cada uno a su manera) hacían, pensé que yo también quería hacer eso. A mi manera también, pero que ese era el camino a seguir.

Me apunté en páginas web sobre fotógrafos de moda y retratos, me puse en contacto con modelos para trabajar y una cosa llevó a la otra. Así conseguí algunas fotos medianamente decentes y entonces algunas agencias se empezaron a interesar por mis trabajos y comencé a ganarme la vida con la fotografía. Entonces decidí que debía probar suerte e intentar hacer de la fotografía mi medio de subsistir.

Pero el “shock” fotográfico más fuerte lo tuve también en 2008, durante el mes de septiembre. Volvía de pasar un fin de semana en Carcassonne y mi pareja y yo nos paramos en Perpinyà para pasear y ver la ciudad. Entonces vi varios carteles de Canon y Nikon colgados por las paredes y unos anuncios de algo llamado “Visa Pour L’Image”. No tenía ni idea de qué iba todo eso pero investigamos y vimos que se trataba de una especie de festival del fotoperiodismo (más tarde descubriría que era uno de los más importantes del mundo).

Nos pasamos el día entero visitando todas las exposiciones del Visa Pour L’Image y cuando vi las fotografías de Christian Poveda sobre las marras de El Salvador y en especial todas las fotografías de los World Press Photo… me quedé sin palabras. Nunca antes había visto nada igual. Algunas imágenes me quedaron grabadas en la memoria y desde entonces, cada año visitamos este festival para ver las que personalmente considero las mejores fotos del mundo.

Aunque me encanta trabajar con modelos y hacer la fotografía que hago, cuando veo lo que hacen ciertos fotoperiodistas con una cámara… me avergüenza tener una cámara y “jugar” a ser fotógrafo. Pero bueno, quizás algún día también pueda ir yo por el mundo congelando en el tiempo imágenes que luego inspiraran a alguien que visite por primera vez el Visa Pour L’Image como hice yo hace tres años.

Al cabo de medio año sentí que mi querida Canon EOS 450D se me quedaba corta y di el salto al formato completo con la 5D Mark II. Me obsesioné con que a mis fotos les faltaba “fondo” y que eran demasiado pequeñas… me faltaba espacio y necesitaba que la foto pareciera “más grande”. Así pues, me pasé al full frame de la 5D y espero algún día poder echarle el guante a una buena cámara de formato medio, aunque tampoco me obsesiona. A mi me gusta disparar a velocidades muy altas y creo que con las de formato medio eso no es posible. Así que de momento los 35mm me bastan.

Técnicamente soy un desastre. Es decir, desconozco la mayoría de funciones que tiene mi cámara y en el fondo me da igual. Me preocupa más el encuadre, el enfoque, el color, la luz y lo que cuenta una fotografía que no todos los aspectos técnicos que en muchas ocasiones solo sirven para distraerte. Sin duda alguna, es esencial conocer algunos detalles del artilugio que tienes entre las manos, siempre ayuda a mejorar tus instantáneas… pero como decía un tal Ansel Adams, la parte más importante de una cámara es la que está detrás de ella (o algo así).

Me gusta preparar las fotos pero también que tengan cierto componente de improvisación y naturalidad. Me gusta hacer fotos y luego mirarlas en la pantalla de la cámara y sorprenderme con alguna imagen curiosa o algún tipo de luz que ha aparecido por allí sin que nadie lo hubiera preparado.

Aunque claro está, todo depende del trabajo que esté realizando. Cuando hago alguna sesión por encargo, intento prepararlo todo al máximo para que no haya errores garrafales. Pero cuando hago fotos para “disfrutar” disparando, entonces ni me preocupo por los aspectos técnicos.

Mi técnica a la hora de fotografiar o disparar es muy simple. Fotografío lo que a mi me gustaría ver en una foto. Ni más ni menos. Intento que haya buena luz, que los colores sean cálidos (odio a muerte los colores fríos) y que el encuadre sea en cierta manera curioso. Ya está, no le doy más vueltas. No me gusta trabajar con luz artificial y creo que eso se nota en mis fotos, la mayoría echas en exteriores y con luz natural. Solo uso de vez en cuando un reflector para iluminar la cara de la persona que tengo delante.

Luego viene el trabajo duro: la edición. Edito mucho, mucho. Revelo digitalmente las imágenes con el programa que ese día me parece más simpático. No tengo preferencias en cuanto a software. Cuando tengo un archivo TIFF o PSD decente lo abro en Photoshop y luego empiezo a jugar con las curvas, los niveles, los filtros, las acciones.

Tengo más o menos clara una idea de cómo quiero que “luzca” una foto… y voy haciendo pruebas hasta que veo algo que me gusta. Y lo que me gusta suele tener un fuerte enfoque de la persona, un desenfoque muy marcado del fondo, un encuadre corto… y colores cálidos y terrosos con mucha luz y poco o mucho contraste, según el café que me haya tomado ese día.

Me gustaría ser más ordenado y tener un flujo de trabajo más definido, pero como decía antes, intento conservar siempre cierto tono de improvisación y sorpresa en lo que hago, aunque según qué proyectos no lo permiten. Cuando trabajo para una agencia o para una campaña de publicidad y tengo indicaciones de cómo deben ser las fotos, me ciño a lo indicado y aunque intento darle mi toque personal, intento que el cliente quede satisfecho y le guste lo que ve.

En cuanto a los aspectos técnicos, uso básicamente la Canon 5D Mark II y un 50mm f1.4. Son mis herramientas de trabajo principales, que en ocasiones complemente con un pequeño reflector y otros objetivos como un 35mm f2, un 85mm f1.8 y un 100m f2.8. Como siempre, voy decidiendo sobre la marcha qué objetivo se adapta mejor a la situación de luz o a la “historia” que me apetece contar con la foto que estoy haciendo.

Soy consciente que mis imágenes se benefician enormemente de la tecnología de programas como Photoshop. Sin el programa de Adobe mis fotos no tendría ni la mitad de gracia… es por eso que le dedico tantas horas a la edición. Además, siempre me ha gustado dibujar y pintar digitalmente y en el fondo veo las fotos como cuadros “reales” a los que debo añadir toques más “artísticos” para que brillen más y luzcan mejor.

Actualmente trabajo para distintas agencias de Europa haciendo campañas de publicidad, fotos de productos y moda, ropa, joyería, etc. y también me dedico parcialmente a la ilustración de imágenes stock. Aunque la mayor parte del tiempo la paso con una cámara en las manos, de vez en cuando también me gusta recuperar el papel blanco y el lápiz y dibujar historias y personajes que no puedo recrear con una cámara de fotos.

Siempre he sido una persona que se cansa de todo muy rápidamente. Cualquier afición que he tenido me ha durado como mucho 6 meses. Con la fotografía no solo he superado ese récord de 6 meses sino que la he convertido en mi forma de vivir y creo que me acompañará durante muchos años más. Es el medio que me permite contar esas historias que escribía de pequeño…

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Cámara del Nokia N8 vs Cámara del Iphone 4

Andrés — Sun, 30 Jan 2011 18:05:49 +0000

Una característica imprescindible que debe tener el móvil de cualquier fotógrafo es la cámara. Día a día los fabricantes se superan y nos ofrecen mejores dispositivos. Hoy os presento una pequeña comparativa, del Nokia N8 y el Iphone 4, dos de los teléfonos que más han dado que hablar en cuanto a cámaras se refiere.

Esta comparativa quizás pueda ser algo simple, sin demasiados tecnicismos ni pruebas excesivamente preparadas, pero lo que un fotógrafo quiere, al final, es obtener buenas fotos sin demasiada complicación, al menos si la toma se realiza desde nuestro teléfono móvil.

Para ello, he optado por someter a estos móviles a dos pruebas bien distintas:

Comportamiento en situaciones de baja luminosidad, explorando sus posibilidades para averiguar el nivel de ruido que devuelven.
Comportamiento en situaciones de alto contraste, para averiguar hasta dónde son capaces de llegar sus sensores.

Características de la cámara del Nokia N8

El Nokia N8 presume de ser el primer móvil que sale al mercado con un sensor del mismo tamaño que una cámara compacta, y est realmente se nota. Entre sus características yo destacaría:

Sensor de 1/1.83 pulgadas.
Optica Carl Zeiss con apertura F2.8.
Cámara de 12 megapixeles.
Luz de ayuda al enfoque.
Flash Xenon que realmente funciona.
Pantalla de 3,5 pulgadas con una resolución de 360 x 640 píxeles y 16.7 millones de colores.
Reconocimiento de caras

Características de la cámara del Iphone 4

El Iphone 4 podríamos decir que hoy por hoy es el teléfono móvil por excelencia, es casi un objeto de culto, y para esta nueva versión también han renovado su cámara. En este aspecto, sus características más destacadas son:

Modo HDR, con el que realmente podemos salvar muchas fotos.
Enfoque por toque, este sistema realmente me ha encantado.
Cámara de 5 megapixeles.
Pantalla retina con una resolución de 960 x 640 píxeles a 326ppp y relación de contraste 800:1.
Cámara de 5 megapixeles.

Valoración subjetiva del Nokia N8

El Nokia N8 nos ofrece muchísimas posibilidades con su cámara, es casi una compacta, y para que lo entendáis paso a detallaros menú de opciones que tenemos cuando nos disponemos a sacar una fotografía:

Modo de escena: automático, definido por el usuario (con muchísimas opciones para configurar), primer plano, retrato, paisaje, deporte, nocturna y retrato nocturna.
Detección facial, funciona, pero no es una maravilla, en una escena con muchas personas no suele reconocerlas a todas.
Cuadrícula, perfecto cuando queremos que nuestras fotos salgan rectas.
Temporizador de 2, 10 y 20 segundos.
Tono: normal, sepia, blanco y negro e intenso. Aunque sinceramente, creo que es mucho mejor aplicar estos ajustes en el ordenador.
Balance de blancos: automático, soleado, nublado, incandescente o fluorescente.
Exposición, podemos sobreexponer o subexponer dos puntos en pasos de medio punto.
Iso, tres niveles definidos como bajo, medio o alto. Estos niveles no acabo de entenderlos pues revisando los datos EXIF de las fotos que luego os expondré veo valores de 100, 130, 285, 400, 590, 798, 800.
Contraste, 9 niveles.
Nitidez, 3 niveles.
Flash: automático, reducción de ojos rojos, activado, desactivado.

También tendremos un montón de funciones para editar las fotos en el propio teléfono una vez tomadas, que si bien no sustituyen a nuestras herramientas en el ordenador, nos pueden ser de utilidad en momentos puntuales.

Sinceramente, con todas estas opciones, podremos hacer casi lo que nos apetezca, sólo hay una característica que echo en falta, poder elegir la velocidad de disparo. He utilizado esta cámara en múltiples ocasiones, y estoy realmente contenta con ella.

Por otro lado y centrándonos en su función principal que es la de teléfono móvil, no tengo ninguna queja pues tiene todo lo que podemos esperar y más, está lleno de opciones multimedia y de utilidades para nuestra productividad fundamentales para usarlo como smart phone. Pero personalmente, creo que el Iphone en este aspecto es mucho mejor.

Valoración subjetiva del Iphone 4

El Iphone 4 lo que nos ofrece es algo muy sencillo, un apuntar y disparar, algo que está muy bien cuando queremos tener una foto para recordar un instante, pero que quizás limite mucho las posibilidades de un fotógrafo cuando quiere ir un paso más allá.

Me gustaría destacar la función de enfoque por toque que antes mencioné. Cuando encuadramos la imagen, tocamos en la pantalla el sujeto que queremos enfocar, y el teléfono moverá el foco a ese punto automáticamente.

Por otro lado no podemos dejar de hablar de el modo HDR integrado, que nos recuperará mucha información de las altas luces, aunque el resultado al usar este modo no me convence por su alto contraste y colores demasiado intensos, sin hablar del degradado general de la foto. Además, el modo HDR no es compatible con el flash integrado en el teléfono.

Su gran ventaja, la gran cantidad de aplicaciones de las que disponemos en la Apple Store y que pueden ayudarnos con cosas tan sencilla como un nivel, una cuadrícula, un temporizador, ediciones muy variadas para las fotografías tomadas, etcétera, pero que al final, no son capaces de igualar la versatilidad del Nokia N8 en la toma.

Si lo evaluamos como teléfono, o lo odias o lo amas, yo soy del segundo grupo, creo que a día de hoy no hay otro dispositivo móvil que combine tan bien elegancia, versatilidad y funcionalidad. Para mi se ha convertido una herramienta de trabajo esencial en mi día a día.

Peculiaridades de las pruebas

En las siguientes pruebas veréis muchas más fotos del Nokia que del Iphone, pues nos da muchas más opciones. He intentado tomar las fotos lo más similares posibles, pero en la segunda prueba, al ser a plena luz del día, las condiciones lumínicas podían variar levemente en función de las nubes, aunque he intentado que esto no ocurriera.

En la primera prueba pondré dos fotografías por toma, una para la toma reducida y la otra para un recorte en tamaño real. En la segunda toma serán tres fotografías por toma, una para la foto reducida y dos para los recortes, así veremos mejor la diferencia entre las sombras y las altas luces. Tened en cuenta que debido a la mayor resolución del Nokia N8, los recortes de este teléfono se verán mucho más ampliados.

Nokia N8, prueba en condiciones de poca luminosidad

Nokia N8, toma con iso bajo sin flash

- ISO: 100
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/15 segundos

Nokia N8, toma con iso medio sin flash

- ISO: 400
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/15 segundos

Nokia N8, toma con iso alto sin flash

- ISO: 800
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/25 segundos

Nokia N8, toma con iso bajo con flash

- ISO: 130
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/100 segundos
- Flash disparado

Nokia N8, toma con iso alto sobreexponiendo dos pasos

- ISO: 798
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/15 segundos

Iphone 4, prueba en condiciones de poca luminosidad

Iphone 4, toma sin flash

- ISO: 400
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/15 segundos

Iphone 4, toma con flash

- ISO: 250
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/15 segundos
- Flash disparado

Iphone 4, toma en modo HDR

- ISO: 400
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/15 segundos

Nokia N8, prueba en condiciones de alto contraste

Nokia N8, toma con iso bajo sin flash

- ISO: 100
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/80 segundos

Nokia N8, toma con iso medio sin flash

- ISO: 400
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/470 segundos

Nokia N8, toma con iso alto sin flash

- ISO: 800
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/1200 segundos

Iphone 4, prueba en condiciones de alto contraste

Iphone 4, toma con iso bajo sin flash

- ISO: 100
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/80 segundos

Iphone 4, toma con iso medio sin flash

- ISO: 400
- Apertura: F2.8
- Exposición: 1/470 segundos

Conclusión

Creo que las fotos mostradas hablan por si solas, la calidad de las fotos del Nokia N8 es muy superior a la calidad de las fotos del Iphone, y las posibilidades para preparar nuestros disparos también. Además, la mayor resolución del Nokia nos permite realizar impresiones más grandes.

El ruido creo que no es el fuerte de ninguno de los dos teléfonos, pero el Nokia también gana por goleada en este aspecto. Creo que sus niveles de ruido son mucho más que aceptables para un teléfono móvil.