¿ Qué es la composición fotográfica ?

Componer una fotografía es el arte elegir, distribuir y organizar cada elemento que situemos dentro del espacio visual de nuestra fotografía para transmitir de la mejor manera posible nuestra particular visión de la escena retratada al espectador.

Unos conocimientos avanzados de la composición fotográfica nos permitirán dirigir la mirada del espectador cuando se encuentre frente a nuestra obra sin que para él sea evidente. De esta manera podremos dotar del protagonismo que deseemos a cada elemento que se situe dentro de nuestra composición.

Los orígenes de la composición en la fotografía

Para cualquier fotógrafo amateur es bien sabido que la fotografía es un arte derivado de la pintura, y de ella hereda gran cantidad de fundamentos y conceptos.

La composición es uno de esos aspectos heredados de la pintura, es más, yo diría que completamente heredado de la pintura. Es por ello que si queremos estudiar más profundamente la composición en la fotografía, podremos servirnos de mucha bibliografía orientada a la pintura, pues se regirá por los mismos principios.

El componente subjetivo de la composición en la fotografía

A pesar de la gran cantidad de reglas y conceptos conocidos sobre la composición fotográfica, el componente subjetivo intrínseco a la mirada del fotógrafo toma un papel fundamental a la hora de componer nuestras fotografías.

El buen gusto del fotógrafo será un aspecto decisivo a la hora de elegir una buena composición, no por seguir las reglas de la composición fotográfica a rajatabla obtendremos una buena fotografía, así como tampoco obtendremos una mala fotografía si decidimos saltarnos estas reglas con buen criterio.

Principales elementos que intervienen en la composición fotográfica

En este punto me centraré en lo que personalmente considero los aspectos esenciales de la composición en la fotografía.

El formato

Yo diría que este es el primer concepto que debemos tener en cuenta a la hora de componer. Las posibilidades son muchas: formato panorámico, formato cuadrado, formato tres cuartos, y en definitiva, cualquier otro aspecto en cuanto a proporciones de ancho por alto que deseemos darle a nuestras fotografías.

El Encuadre

En este punto decidiremos qué elementos incluiremos en nuestra fotografía y cuales quedarán fuera, decidiremos si queremos un encuadre vertical, uno horizontal o si por el contrario le daremos más dinamismo a la foto con un encuadre inclinado. Si es un retrato decidiremos si es un primer plano, un plano medio o algún otro de las múltiples posibilidades que tenemos. Realmente son muchas las variables que manejaremos a la hora de encuadrar, sólo la imaginación y la visión del fotógrafo pondrán los límites a la hora de encuadrar.

La Perspectiva

La fotografía es una representación bidimensional de una realidad tridimensional. Esta representación puede variar en función de la perspectiva que utilicemos en nuestra toma, permitiéndonos controlar factores como pueden ser la sensación de profundidad o el tamaño de los elementos incluidos en la foto.

La Profundidad de Campo

La profundidad de campo nos permitirá decidir que elementos aparecerán dentro de foco y cuales no en nuestra toma. Podéis ampliar esta explicación en la entrada La profundidad de campo en la fotografía.

Reglas de Oro de la Coposición Fotográfica

Ya hemos hablado de ellas anteriormente, pero no podemos dejar de mencionarlas cuando hablamos de la composición en la fotografía.

Regla de los tercios

La regla de los tercios es una regla fotográfica que nos ayuda a componer indicándonos dónde debemos situar el punto de interés para que nuestra fotografía sea más atractiva. Podéis ampliar esta explicación en la entrada La regla de los tercios.

Regla del horizonte

La regla del horizonte divide la imagen en tres partes exactamente iguales trazando dos líneas imaginarias horizontales, y nos dice que coloquemos el horizonte de manera que coincida con una de estas líneas. Podéis ampliar esta explicación en la entrada La regla del horizonte en la fotografía.

La regla de la mirada

La regla de la mirada nos dice que cualquier persona, animal u objeto que sea el punto de interés de
nuestra fotografía debe tener mas espacio libre hacia el lado donde se dirige su mirada que al contrario. Podéis ampliar esta explicación en la entrada La regla de la mirada.

Otros recursos fotográficos compositivos

Como comentaba al comienzo de esta entrada, la composición en la fotografía es un aspecto realmente amplio. Para no alargarnos demasiado os enumeraré una serie de recursos compositivos que nos ayudarán a mejorar nuestras composiciones. Espero, con el tiempo, poder ir ampliando la información de cada uno de ellos.

• El equilibrio
• El espacio
• El espacio negativo: podéis ampliar la información en la entrada El espacio negativo.
• Las líneas
• Las curvas
• El ritmo
• La simetría
• La iluminación
• Las forma
• El volumen
• El color
• Las texturas

Conclusión

Estoy seguro de que me dejo fuera muchos otros recursos para componer, así que espero que si conoces alguno me lo hagas saber. De cualquier manera, intentaremos ir abordando poco a poco el tema de la composición en posteriores entradas.

Además, y como siempre, espero que os haya gustado y sido de ayuda.

Interface de Lightroom

Daremos por hecho que ya conoces al menos por encima la interface de Adobe Photoshop Lightroom. Sea como sea, para situar rápidamente al lector, os dejamos los siguientes pasos:

• Abrimos lightroom y localizamos la fotografía que deseamos procesar.
• Nos aseguramos de que accedemos a la pestaña de “Revelado”.
• Localizamos las opciones de balance de blancos.

En la siguiente imagen tenéis una pequeña orientación:

El Cuentagotas

Este quizás sea el método más intuitivo a la hora de corregir el balance de blancos. El proceso es algo tan sencillo como:

Pinchamos sobre el icono del cuentagotas.

En este momento, veremos que el puntero de nuestro ratón se ha convertido en un cuentagotas, y que al pasarlo sobre la imagen nos parece un pequeño cuadro con un zoom de la zona en la que nos encontramos:

En este momento deberemos localizar en la imagen una zona cuyo color estemos seguros que es gris claro. Una vez localizada pinchamos sobre ella y veremos cómo cambia el balance de blancos de nuestra fotografía. Si no estamos contentos con el resultado este proceso lo podemos repetir tantas veces cómo queramos.

Los pre-ajustes

Otra manera muy sencilla de trabajar con el balance de blanco son los pre-ajustes.

Con ellos podemos acceder rápidamente a las configuraciones más comunes para las siguientes situaciones:

• Como se ha tomado
• Automática
• Luz del día
• Nublado
• Sombra
• Tungsteno
• Fluorescente
• Flash
• A medida

Aunque quizás sea algo más genérico y por tanto menos precioso para cada caso en particular, estos preajustes funcionan muy bien. El modo automático también realiza su función de una manera más que adecuada.

Deslizadores de temperatura y matiz

Otra manera de ajustar la temperatura de color, es ajustando manualmente los deslizadores de temperatura y matiz de color.

Este método es quizás algo más subjetivo y puede ser un buen complemento a los dos métodos anteriores para realizar ajustes más finos.

Conclusión

Los tres métodos que hemos visto para modificar el balance de blancos son muy sencillos. La verdadera potencia y sencillez de Adobe Lightroom radica en poder combinar los tres y utilizarlos dependiendo de las necesidades que nos presente cada trabajo.

Como siempre espero que os haya resultado interesante y servido de algo.

Y precisamente eso es lo que me ocurrió con mi querido flash Sigma EF-530 DG Super, hace algunos meses, cuando realizaba una sesión de retrato con algunos amigos, una racha de viento inesperada hizo que el trípode dónde se encontraba el flash cayese al suelo, con tan mala suerte que con el golpe se estropeó la zapata del flash. Y ya veis en la foto anterior cual fue el resultado.

Pensando en la economía

Evidentemente, lo primero que me vino a la cabeza fue el precio del flash, más de 220€ en el mejor de los casos, así que quise agotar cualquier opción antes de tener que recurrir a la compra de un nuevo flash.

Puesto que conseguí localizar el pedazo de plástico desprendido, mi primera opción fue pegarlo con algún adhesivo con las características adecuadas. Utilicé Superceys, de la marca Ceys, que me ha funcionado muy bien en otras ocasiones, pero cada vez que intentaba colocarlo sobre la montura de mi cámara se volvía a desprender.

Visto que esta solución no funcionó, decidí recurrir al servicio técnico de Sigma, poniéndoles un mail mediante la página web fotoservicio.es. Les solicité que me enviaran la pieza estropeada, y después de un par de correos electrónicos así ocurrió. Aquí debo hacer un inciso para felicitarles por el trato recibido.

El coste de la pieza fue de 35€ más impuestos y gastos de envío. Teniendo en cuenta que resido en Canarias, el coste final superó los 50€, es decir, menos de una cuarta parte del flash.

Arreglando el flash Sigma

Aunque a primera vista para una persona poco acostumbrada a “trastear” con aparatos electrónicos pueda parecer algo intimidante, una vez puestos manos a la obra veréis que es muy sencillo.

Lo primero es asegurarnos de que hemos retirado las pilas del flash para no llevarnos ningún susto desagradable.

En segundo lugar extraeremos los cuatro tonillos situados en la parte inferior del flash encargados de sujetar la zapata.

Luego, retiramos suavemente la zapata con cuidado de no tirar de los cables que la unen al resto del cuerpo del flash.

Para terminar de separar la zapata del flash separamos el conector que une los contactos de la zapata con el resto del flash. Para ello sólo deberemos de tirar aplicando un poco de presión y saldrá sin más problema.

Y para finalizar realizamos la operación a la inversa: enchufamos el conector, encajamos la zapata y atornillamos. Ya tenemos nuestro flash arreglado y desde que volvamos a colocarle las pilas estará listo para iluminar.

Como veis, ha sido una operación muy sencilla y relativamente económica frente a la opción de adquirir un nuevo flash.

Espero que os haya servido de ayuda y disculpad por la calidad de las fotos que están tomadas con mi móvil.

La razón de elegir esta marca es debido a que recientemente he adquirido una cámara de este fabricante y una de esas cosas que me ha tocado volver aprender son estas abreviaturas.

Abreviaturas de objetivos Nikkor

Antes de nada me gustaría recordar que Nikkor es la marca que Nikon utiliza para sus objetivos, al menos para la gran mayoría de ello, aunque he de suponer que si has llegado hasta aquí eso ya lo sabías. Sea como sea, a continuación os dejo la información.

Nikkor AF, Auto Focus

Son objetivos carentes de motor de enfoque. Utilizan el motor de enfoque de la cámara para realizar esta tarea. En caso de que la cámara no disponga de esta característica el enfoque será manual.

Nikkor AF-D, Auto Focus with Distance data

Son objetivos con motor de enfoque interno. Además proporcionan a la cámara información de la distancia a la que se encuentra el objeto enfocado, información muy útil para la potencia del flash.

Nikkor AF-I, Auto Focus Internal

Son objetivos con motor de enfoque interno, por este motivo pueden ser utilizados con enfoque automático en los cuerpos de las cámaras que no disponen de motor de enfoque como pueden ser la Nikon D40 o la Nikon D60.

Nikkor AF-S, Auto Focus with Silent wave motor

Son objetivos con motor de enfoque interno, podemos decir que son la evolución de los objetivos AF-I. En la actualidad la mayoría de los objetivos vienen con este tipo de motor de enfoque.

Nikkor CRC, Close Range Correction

Esta tecnología permite a los objetivos tener una distancia de enfoque menor y una calidad mejorada en distancias cortas. Su principal aplicación se encuentra en los objetivos gran angular y en los macro.

Nikkor D, Distance

Son objetivos que proporcionan información a la cámara sobre la distancia a la que se encuentra el punto enfocado. Esta información es realmente útil entre otras cosas para controlar la potencia del flash.

Nikkor DC, Defocus Control

Estos objetivos vienen dotado de un anillo extra cuya funcionalidad es controlar la cantidad de desenfoque que se aplicará a la imagen sin variar la distancia focal ni la apertura. Se utilizan principalmente para fotografía de retrato.

Nikkor DX

Esta etiqueta designa a los objetivos diseñados para sensores digitales de tamaños inferiores a 35mm, concretamente para sensores de tamaño APS-C.

Nikkor ED, Extra Low Dispersion Glass

O traducido a nuestro idioma cristales de dispersión extra baja. Estas lentes se utilizan para minimizar las aberraciones cromáticas producidas por los objetivos.

Nikkor FX

Son objetivos adecuados para utilizar con cámaras con sensor full frame o de 35mm.

Nikkor G, Gelded

Son objetivos que carencen de anillo de apertura, con lo cual ésta debe ser controlada desde la cámara. En la actualidad todas las cámaras de objetivos intercambiables digitales de Nikon permiten modificar este parámetro desde la propia cámara.

Nikkor IF, Internal Focussing

Estos objetivos tienen un sistema de enfoque interno evitando así el movimiento de elementos externos de la lente durante el enfoque.

Nikkor PC, Perspective Control

Lo que comunmente conocemos como objetivos descentrables.

Nikkor SWM, Silent Wave Motor

Son objetivos cuyo sistema de enfoque está basado en ultrasonidos, con ellos conseguimos un enfoque rápido, efectivo y silencioso.

Nikkor RF, Rear Focusing

Son objetivos con un sistema de enfoque rápido y silencioso, pues las partes móviles se encuentran únicamente en la parte trasera del objetivo.

Nikkor VR, Vibration Reduction

Definen a los objetivos Nikkor con sistema de reducción de vibración, y que permiten reducir la trepidación de nuestras fotografías sobre todo cuando utilizamos velocidades de obturación relativamente lentas. Yo diría que esta tecnología es esencial en los objetivos de distancia focal superior a 200mm.

Postdata

Estas son las abreviaturas más habituales que encontramos en los objetivos Nikkor. Si echas en falta alguna te agradecería que me lo hiceras saber para así completar este listado.
Como siempre, espero que te haya gustado esta pequeña entrada y espero veros por aquí de nuevo.

¿ Qué es la profundidad de campo ?

Podemos definir la profundidad de campo como la zona determinada por distancia existente entre el punto más cercano y el punto más lejano a nuestro objetivo que aparece suficientemente nítida en nuestras fotografías.

Para hacernos un esquema mental más claro, y dando por hecho que la zona más nítida de nuestra fotografía es aquella dónde situamos el foco del objetivo, podemos dividir la zona de la que hablamos en otras dos zonas: la zona de la imagen suficientemente nítida entre nuestro objetivo y nuestro punto de interés, y la zona con suficiente nitidez situada tras nuestro punto de interés.

¿ Para que sirve la profundidad de campo ?

Una vez que tenemos claro que es la profundidad de campo, lo siguiente que debemos saber es para qué nos sirve, y la respuesta a esta pregunta es tan sencilla como importante: para componer nuestras fotografías.

Cuando observamos una fotografía, nuestra mente dirige nuestra mirada hacia los elementos más enfocados que hay en ella, fijando así nuestro interés.

Sabiendo esto, podemos utilizar por ejemplo, una profundidad de campo muy pequeña al fotografiar a alguien para separarlo del resto de los elementos de la fotografía, como en la siguiente imagen:

O si por el contrario queremos inmortalizar un paisaje en el que todo aparezca bien nítido utilizaremos una profundidad de campo suficientemente amplia:

Factores que intervienen en la profundidad de campo

Son varios los factores que intervienen para determinar la profundidad de campo, así que deberemos tenerlos todos en cuenta si queremos dominar este conepto a la perfección.

1. La apertura de la toma

El número f que seleccionemos en nuestro objetivo a la hora de realizar la fotografía será clave para determinar la profundidad de campo que obtendremos como resultado.

• A mayor apertura (menor número f), menor será la profundidad de campo.
• A menor apertura (mayor número f), mayor será la profundidad de campo.

Es decir, en condiciones iguales, una toma a f1.4 tendrá mucha menos profundidad de campo que una toma a f8.

2. La distancia al sujeto

La distancia al sujeto fotografiado es otro de los puntos claves para controlar la profundidad de campo.

• Cuanto menor sea la distancia entre nuestro objetivo y el sujeto fotografiado, menor será la profundidad de campo.
• Cuanta mayor sea la distancia entre nuestro objetivo y el sujeto fotografiado, mayor será la profundidad de campo.

Con lo cual, si nuestro sujeto se encuentra a 1 metro de nuestra posición, la profundidad de campo será menor que si el sujeto se encuentra a 15 metros.

3. La distancia focal de nuestro objetivo

El tercer aspecto que determinará la profundidad de campo en nuestras fotografías será la distancia focal de nuestro objetivo utilizada durante la toma.

• Cuanto mayor sea la distancia focal utilizada para la toma, menor será la profundidad de campo.
• Cuanto menor sea la distancia focal utilizada para la toma, mayor será la profundidad de campo.

Así que teniendo esto en cuenta, si tomamos una fotografía con un objetivo con distancia focal 200mm., la profundidad de campo será mucho menor que si tomamos una fotografía con un objetivo con una distancia focal de 50mm.

4. El tamaño del sensor de nuestra cámara

El último de los factores que intervienen en la profundidad de campo es el tamaño del sensor de nuestra cámara.

• Cuanto menor sea el sensor de nuestra cámara, menor será la profundidad de campo.
• Cuanto mayor sea el sensor de nuestra cámara, mayor será la profundidad de campo.

Por ello si disparamos con una cámara de formato completo, o full frame, nuestra profundidad de campo será mayor que disparamos con una cámara con un sensor de tamaño APS-C.

Tablas de profundidad de campo

Siempre es muy útil tener una tabla de profundidades de campo a mano cuando estamos fotografiando. A continuación os dejo una que os servirá para haceros una idea de como son.

Teniendo en cuenta la gran cantidad de posibilidades existentes al combinar el tamaño del sensor, la apertura, la distancia al sujeto y la distancia foca, os he dejado una tabla para un objetivo de 50mm. montado sobre una Nikon D700 de sensor completo, en la que se muestra como varía la profundidad de campo en función de la apertura y la distancia al sujeto.

Podéis conseguir vuestras propias tablas en DofMaster.

Calculadoras de profundidad de campo

También os dejo algunos enlaces a calculadoras de profundidad de campo que considero que son muy interesante. Si alguien me recomienda alguna para otro tipo de teléfonos como pueden ser basados en Android o Symbian sería de agradecer.

• DOFMaster, calculadora de profundidad de campo online.
• Calculadora de profundidad de campo online.
• DepthOfField, calculadora de profundidad de campo para Ipad gratuita.
• Simple DoF, calculadora de profundidad de campo para Iphone gratuita.

Botón de profundidad de campo

Por último, me gustaría comentaros a los más novatos que la gran mayoría de reflex digitales actuales disponen de un botón de profundidad de campo.

Su utilidad es poder visualizar a través del visor cual será el resultado final de la toma con la apertura seleccionada antes de disparar. Aunque la gran mayoría de los fotógrafos que conozco revisan la profundidad una vez tomada la foto en la pantalla de la cámara, nunca está de más echarle un vistazo al manual de vuestro equipo para que sepáis como funciona.

Pues aprovechando que hace poco han realizado una remodelación, os dejo este enlace para que vosotros lo conozcais.

Y para que conozcais un poco más sobre este magnífico espacio, os dejo unas palabras de su propia autora “Cienojos es una asociación sin ánimo de lucro que nació en Murcia en 2011 con el objetivo de crear e impulsar proyectos relacionados con la fotografía y la imagen. Este blog, creado en 2007 por Mónica Lozano, fue el origen de todo y hoy es nuestro corazón. En él publicamos lo que nos interesa y nos apasiona y todas las actividades que hacemos.”.

“Fotografía y retoque del rostro y el cuerpo desnudo” es un libro ameno, sencillo de leer, que anda muy lejos de los aspectos técnicos más complicados de la fotografía. A lo largo de sus más de 350 páginas, los autores, Kay Michael Kuhnlein y Harald Heim, hacen un recorrido por todos los aspectos que necesitamos tener en cuenta si queremos convertirnos en fotógrafos de retrato, moda o desnudos.

El contenido

A pesar del título, el libro se centra mucho más en el desnudo que en retrato, aunque la mayor parte del contenido puede ser extrapolado a éste último. Está dividido en quince capítulos, cada uno de los cuales se encuentra subdividido en varios apartados menores. Por norma general estas subdivisiones suelen ser bastante cortas, por lo que nunca tendremos la sensación de pesadez que a veces provocan los capítulos extensos.

El libro está muy bien ilustrado con una gran cantidad de imágenes de tamaños variados. Estas imágenes decoran las lecciones que nos dan los autores ejemplificando perfectamente sus palabras. Como nota, decir que estas ilustraciones son casi exclusivamente de modelos femeninas.

Tal y como se deja leer en su contraportada, el contenido es de un nivel “Básico/Medio”, cualquier fotógrafo aficionado con un poco de experiencia no tendrá problema alguno en comprender a la primera cualquiera de las lecciones. Para el aficionado un poco más avanzado esto quizás le sepa a poco.

A continuación os dejo el índice del libro para que tengáis una idea mucho más exacta de lo que os podréis encontrar en él:

1. 1.- La fascinación por la fotografía digital de desnudos y retratos
   • Fotografía de retratos
   • Fotografía de desnudos
   • El modelo y usted
   • En el estudio o al aire libre
   • Photoshop y el retoque fotográfico, ¿ sí o no ?
2. 2.- El equipo
   • La cámara y los objetivos
   • ¿ Raw o JPEG ?
   • Hardware y software
   • Luz Solar
   • ¿ Iluminación de interior o lámparas de descarga ?
   • ¿ Flash compacto o flash de estudio ?
   • El uso del flash de estudio
3. 3.- Los conceptos visuales y su ejecución
   • ¿ Planificar o improvisar ?
   • La búsqueda de ideas
   • El estilo de los retratos
   • Las instantáneas
   • La fotografía callejera
   • Glamour
   • El estilo de los desnudos
     • El desnudo clásico
     • El estilo pin-up
     • El erotísmo
     • La pornografía
   • Los escenarios
     • Interiores y exteriores
     • En exteriores
     • La integración de arquitectura y paisaje
     • En interiores
   • Su salón como estudio fotográfico
   • El estudio fotográfico profesional
   • Accesorios, complementos y fondo
     • Fotos sin “complementos”
     • Los accesorios
     • Los complementos
     • Los fondos
4. 4.- El modelo
   • Conocidos y amigos como modelos
   • Buscar modelos en Internet
   • Modelos aficionados y modelos profesionales
   • El contrato y la remuneración
   • TFP
   • Fotos comerciales
   • Maquillaje y estilismo
   • El maquillaje ¿profesional o no profesional?
   • Dónde encontrar una maquilladora
   • La alternativa: El maquillaje digital
   • Preparación para la sesión de fotos
   • ¿ Agobiar de inmediato a la modelo con indicaciones o … ?
   • Comuníquese con el modelo, dele instrucciones comprensibles
   • Algunas veces tendrá que improvisar
5. 5.- Las poses y las expresiones
   • Olvídese de los catálogos de poses
   • ¿Copiar o crear?
   • Las poses
   • La expresión facial
   • El modo de trabajo
   • Ayuda a la hora de posar
   • Trabajar con dos modelos
   • Los movimientos naturales en lugar de las poses
   • No hay un método patentado
6. 6.- La luz
   • El reto de la luz solar
   • Las fuentes de luz en el estudio
   • La orientación de la luz
   • La disposición de las luces
   • Variantes de luz
   • Los filtros de color y los bloqueadores de luz
   • Reconocer la orientación de la luz
   • Errores de principiante que se pueden evitar
7. 7.- La configuración de la cámara
   • La luz continua
   • La luz mixta
   • La configuración manual
   • La luz de flash de estudio
   • Determinar la apertura con fotómetro
   • Determinar la apertura sin fotómetro
   • La profundidad de campo y el enfoque
8. 8.- La composición de la imagen
   • El encuadre
   • La perspectiva
   • ¿ Blanco y negro o color ?
   • Elegir las imágenes
   • Errores de principiante que se pueden evitar
9. 9.- Los profesionales y su trabajo “vistos de cerca”
   • Un día con el “fotógrafo estrella” Stefan Gesell
     • Negociaciones preliminares con conocimientos importantes
     • ¿ Improvisar o planear ?
     • Los modelos
     • Las tomas
     • El acabado con Photoshop
     • ¿ Quiere aprender de Stefan Gesell ?
     • Nosotros preguntamos, Stefan Gesell responde
   • La fotografía en exteriores con Krolop & Gerst
     • El equipo y la configuración
     • La modelo
     • Comentarios
   • La fotografía en interiores con Tom Rider
     • La sesión
     • Disposición de la luz
     • El credo de Tom Rider
     • Conclusión
10. 10.- Otros puntos importantes a tener en cuenta para obtener una buena foto
    • Mantenga su vista en la realidad
    • Las tendencias y el ideal de belleza
    • ¿ Somos todos guapos ?
    • La edición digital ¿sí o no?
11. 11.- Técnicas de photoshop
    • Abrir archivos JPEG en Camera Raw
    • El equilibrio de blancos
    • El Equilibrio de blancos en Camera Raw
    • Edición rápida en Photoshop
    • Luz digital con el uso del degradado
    • Capas y máscaras
    • Simular un reflector o un flash de relleno
    • Destacar los elementos con viñetas
    • Viñeteo avanzado
    • La viñeta como máscara de capa
12. 12.- El retoque fotográfico
    • Corregir detalles con el pincel corrector
    • Suavizar las manchas y las sombras
    • Alisar la piel
    • Recuperar la estructura de la piel
    • Modelar con luz y sombras
    • Editar los detalles
    • Tono de la piel y luminosidad
    • Retocar el cuerpo
13. 13.- Efectos con photoshop y plugins
    • De color a blanco y negro
    • Imagen en blanco y negro con capa de ajuste
    • Utilizar la función Blanco y negro en CS5
    • Buenos ayudantes: Plugins para la conversión a blanco y negro
    • Colorear imágenes monocromas
    • La Color key como reclamo visual
    • Fotos en clave alta con Photoshop y un plugin
    • Con “Mystical Tint Tone and Color 2.0″
    • Utilizar el grano de la película como recurso estilístico
    • Pintar y dibujar
    • Snap Art 2
    • Dynamic Auto Painter
    • Efectos especiales con plugins
    • Plugin Galaxy 2.0
    • Auto FX Dreamsuite Series One y Series Two
    • Auto FX Photo/Graphic Edges 7.0
    • Color Efex Pro 3.0 Complete
14. 14.- Montaje y composición
    • Montaje a partir del rostro y de la pose
    • La composición frontal
    • Un ejemplo de composicióncompleja
    • Las seis reglas de la composición de fondo
    • Montaje con un fondo sencillo
    • Añadir una textura para el suelo
    • Disposición de la composición
    • Seleccionar con una máscara en escala de grises
    • Conclusión
15. 15.- La presentación de sus fotografías
    • Mostrar las fotos en comunidades virtuales
    • Su propia página Web para sus fotos
    • Imprimir fotografías
    • Su foto en un lienzo
    • El fotolibro
    • Muestre sus fotos en exposiciones
    • Cómo ganar dinero con sus fotografías
    • Aceptar las críticas
16. Apéndice.- Fotógrafos y autores
    • Stefan Gesell
    • Gero Gröschel
    • Günter Hagedorn
    • Dirk Hennig
    • Us Karlomy
    • Krolop & Gerst
    • Silvia Kuhnlein
    • Leoncool
    • Karl Louis
    • Melancholie
    • Tom Rider
    • Jörg Riethausen
    • Erwin Schnabel
    • Dirk Schönfeldt
    • Harald Heim
    • Kay Michael Kuhnlein

Presentación

El libro se presenta en un formato aproximado de 184×240 mm. con tapas blandas. Este tamaño es suficiente para apreciar las fotografías, sobre todo las que aparecen a página completa.

La impresión me resulta muy agradable, y el papel tiene un tacto de calidad, cosa que se agradece tratándose de un libro de fotografía.

Con el libro también se adjunta un cd en el que podremos encontrar varios plugins (la mayoría de ellos en versión de evaluación) y muchas de las fotografías que previamente hemos visto impresas. Esta idea me resulta especialmente agradable puesto que así podremos aplicar las lecciones aprendidas relacionadas con la edición digital, aunque si os soy sincero todavía no he tenido tiempo de ello.

Conclusión

Nos encontramos ante un libro ameno con un nivel bastante sencillo. Esto puede resultar algo decepcionante para el fotógrafo aficionado con bastante experiencia, pero sin duda será muy apreciado por el fotógrafo más novel.

En cualquier caso es una buena guía, pues nos conduce por un recorrido dónde se tratan la mayoría de los aspectos a tener en cuenta para los retratos y los desnudos, aunque ninguno de ellos se tratará en profundidad.

]]> http://www.positivando.es/libros-de-fotografia-fotografia-y-retoque-del-rostro-y-el-cuerpo-desnudo.html/feed 3 http://www.positivando.es/la-regla-del-horizonte-en-la-fotografia.html http://www.positivando.es/la-regla-del-horizonte-en-la-fotografia.html#comments Sun, 03 Jul 2011 17:59:43 +0000 Andrés http://www.positivando.es/?p=211 Un día más seguimos escribiendo sobre las reglas de oro de la composición en la fotografía, hoy le toca el turno a la regla del horizonte.



Al igual que el resto de las reglas de oro de la fotografía, la regla del horizonte es una regla muy sencilla de aplicar y que guarda mucha similitud con la regla de los tercios que ya vimos en su día.

De forma similar a la regla de los tercios, la regla del horizonte divide la imágen trazando dos líneas imaginarias horizontales que dividen la imagen en tres partes exactamente iguales, y nos dice que coloquemos el horizonte de manera que coincida con una de estas líneas.



Dependiendo si nos interesa realzar la parte supeior o inferior de la imágen, colocaremos el horizonte en la línea imaginaria superior o en la inferior, consiguiendo así el efecto deseado.

Otro aspecto muy importante a tener en cuenta que que esta regla funciona tanto en fotografías verticales como horizontales, y que, unque a priori parezca que es sólo aplicable a escenas en las que se aprecia un horizonte bien definido, nada más lejos de la realidad. Esta regla puede ser aplicada en cualquier situación en la que la imagen se vea cláramente dividida horizontalmente por cualquier tipo de línea.

]]> http://www.positivando.es/la-regla-del-horizonte-en-la-fotografia.html/feed 6 http://www.positivando.es/la-regla-de-la-direccion-en-la-fotografia.html http://www.positivando.es/la-regla-de-la-direccion-en-la-fotografia.html#comments Tue, 24 May 2011 20:26:38 +0000 Andrés http://www.positivando.es/?p=207 Para seguir el hilo iniciado con la publicación anterior, hoy nos centraremos en la regla de la direccion, que es otra de las reglas de oro de la fotografia.



Muy similar a la regla de la mirada que ya vimos en la entrada anterior, se basa en el mismo principio, y dice algo asi: cualquier persona, animal u objeto en el punto de interés de nuestra fotografía que suscite cierto movimiento en el espacio debe tener mas aire hacia el lado donde se dirige que al contrario.

Recordad que el termino aire se utiliza para referirnos a espacio libre, y su uso no es literal.

Al igual que con la mirada, este tipo de situaciones crea una linea imaginaria en nuestro cerebro que podremos utilizar para incrementar la fuerza de nuestra fotografia.

Para despedirme quería darle las gracias a un gran fotógrafo y mejor amigo, Chano Ramírez, por haberme permitido utilizar la foto que encabeza este artículo. Si sois visitante habituales de positivando seguro que habréis visto alguno de sus comentario. Podéis ver su trabajo en su cuenta de flickr.

]]> http://www.positivando.es/la-regla-de-la-direccion-en-la-fotografia.html/feed 1 http://www.positivando.es/la-regla-de-la-mirada.html http://www.positivando.es/la-regla-de-la-mirada.html#comments Tue, 17 May 2011 20:13:12 +0000 Andrés http://www.positivando.es/?p=204 La regla de la mirada es otra de las reglas de oro de la composición fotográfica, y es una regla realmente
sencilla de aplicar.



No cabe duda de que en cualquier retrato la mirada es uno de los aspectos claves a tener cuenta, tanto es así que
que una mirada adecuada puede añadir muchísima fuerza a las fotografías de personas. Esta fuerza debe ser
aprovechada por el fotógrafo de la mejor manera posible, y esta regla nos ayuda en esta labor.

La regla de la mirada nos dice que cualquier persona, animal u objeto que sea el punto de interés de
nuestra fotografía debe tener mas espacio libre hacia el lado donde se dirige su mirada que al contrario.
A ese espacio libre se le denomina aire. De esta manera reforzaremos la
línea imaginaria que traza su mirada en el encuadre añadiendo interés sobre ella.

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